LO INMENSO Y LO PEQUEÑO
texto: Miguel A. López
(esp)
Esta exposición individual de Katherine Fiedler es una declaración profundamente personal e íntima. En los últimos años, la artista se había dedicado a explorar el paisaje y la naturaleza, así como la memoria social y política de la geografía. Usando principalmente el video y la fotografía, sus obras prestaban atención a las formas y texturas de residuos minerales, fósiles, restos de animales, cerámicas, entre otros objetos, con los cuales ponía en escena las dinámicas violentas de intervención y extracción de recursos naturales, los cambios ecológicos y las luchas de poder asociadas al proceso de habitar un territorio.
Durante ese proceso, sin embargo, su mirada comenzó a atender la fuerza libidinal que cargaban esos objetos. La exploración de los límites difusos entre naturaleza/cultura dio paso a un reconocimiento de la energía erótica presente en las plumas, el neopreno o en superficies peludas o rugosas. Una pieza clave en ese proceso es Cuerpo, soga náutica (2019), en donde la artista reutiliza una gruesa cuerda usada por muchos años para actividades de extracción marina, la cual tuerce y enrolla hasta contenerla dentro de una caja acrílica transparente. Las manchas sobre la fibra confieren al objeto una dimensión viva, como si fuera una serpiente camuflándose y envolviéndose sobre sí misma para evitar ser descubierta. Las curvaturas del elemento arrastran una sensualidad corporal difícil de explicar, pero que irradia su fuerza como un magneto en el espacio.
Cuatro signos son los más recurrentes en la exposición: conchas marinas, moldes de yeso,serpientes –quietas o en movimiento– y flores. Su distintas formas de aparición a través de fotografías, videos y esculturas sugieren una historia de seducción y de pérdida. La artista entabla un diálogo con la historia de la pintura y, en particular, con el género vanitas, dedicado a construir alegorías sobre la fugacidad de la vida y el placer sensual. Los objetos que retrata despliegan un repertorio simbólico complejo, cargado de referencias autobiográficas asociadas al deseo, la incertidumbre y el duelo. Esto es especialmente evidente en la aparición de las flores cuyo significado en la tradición pictórica de la naturaleza muerta puede remitir a la lealtad, el amor, la nobleza, la devoción y la melancolía. Sin embargo, en las fotografías de Fiedler, las flores aparecen con matices lúgubres, como los restos de un arreglo fúnebre. La artista observa las hojas y tallos de estas especies vegetales como si fueran cuerpos abiertos, cargados de una aflicción que podemos percibir, sin comprenderla del todo. En otra fotografía, la artista remueve la flor del fondo neutro para sostenerla al interior de su propia mano, construyendo una imagen repleta de connotaciones sexualmente afirmativas.
En el video En algún lugar (2021), la concha marina es la protagonista de un encuentro erótico inesperado. La obra documenta la interacción entre una gran caracola de mar y una serpiente que pasea por sus curvas y cavidades. Como si se tratara de un pequeño encuentro amoroso, el zigzagueo del animal adentrándose con curiosidad en el caparazón invoca las múltiples formas de vida que habitaron aquella corteza calcárea creada por un molusco para asegurar su supervivencia en el océano. Esa sensación de resguardo y recogimiento aparece también en el díptico fotográfico Refugio (2022), el cual muestra la apertura de una caracola cobijando lo que parece ser una pequeña cola peluda y el cuerpo enrollado de una serpiente.
Los moldes de yeso –hechos principalmente a partir del cuerpo de la artista– despliegan mapas afectivos de su vida: moldes cóncavos de sus muslos, torso, caderas o piernas que transportan también las huellas del amor y del dolor, del paso del tiempo, de las transformaciones físicas que atraviesa un cuerpo inevitablemente perecedero. La artista busca abrazar lo inmenso desde lo pequeño, como si intentara volver a juntar sus propios pedazos a fin de organizar su cuerpo de otra manera. Hay allí una tensión irresuelta entre el deseo y el duelo que atraviesa toda la exposición. En otras piezas, la posición de esos fragmentos sugieren un desplazamiento entre la épica y la ruina, entre la idealización y la desidealización, como en Relumbre (2022), en donde un busto partido por la mitad es retratado erguido como la continuidad ascendente de una escalera.
La pieza principal del conjunto es Habitar (2022), un video en donde vemos los movimientos de una serpiente al interior de lo que luce como un espacio deshabitado. La cámara persigue al animal sin alcanzarlo del todo: nunca logramos ver su cabeza, tan solo su sinuoso desplazamiento entre agujeros y comisuras de los moldes en yeso que por momentos revelan las huellas de la dermis –los poros, las marcas, las cicatrices de la piel grabada en la superficie mineral. Los cascarones blancos modelados en base a la piel humana están en roce continuo con un reptil que en algún momento de su vida va a dejar atrás su propia piel. Ambas capas –la humana y la animal, la que se ha desprendido y la que se desprenderá– evocan emociones de renovación, cautiverio y muerte. No es casual que la imagen final del video sea un perturbador montículo en donde los fragmentos de cuerpo yacen apilados. “Lo inmenso y lo pequeño” es una indagación personal sobre lo que refulge y se apaga, lo que significa dejar ir y la presencia de un deseo sexual que no se contiene en los confines del cuerpo.
Cuatro signos son los más recurrentes en la exposición: conchas marinas, moldes de yeso,serpientes –quietas o en movimiento– y flores. Su distintas formas de aparición a través de fotografías, videos y esculturas sugieren una historia de seducción y de pérdida. La artista entabla un diálogo con la historia de la pintura y, en particular, con el género vanitas, dedicado a construir alegorías sobre la fugacidad de la vida y el placer sensual. Los objetos que retrata despliegan un repertorio simbólico complejo, cargado de referencias autobiográficas asociadas al deseo, la incertidumbre y el duelo. Esto es especialmente evidente en la aparición de las flores cuyo significado en la tradición pictórica de la naturaleza muerta puede remitir a la lealtad, el amor, la nobleza, la devoción y la melancolía. Sin embargo, en las fotografías de Fiedler, las flores aparecen con matices lúgubres, como los restos de un arreglo fúnebre. La artista observa las hojas y tallos de estas especies vegetales como si fueran cuerpos abiertos, cargados de una aflicción que podemos percibir, sin comprenderla del todo. En otra fotografía, la artista remueve la flor del fondo neutro para sostenerla al interior de su propia mano, construyendo una imagen repleta de connotaciones sexualmente afirmativas.
En el video En algún lugar (2021), la concha marina es la protagonista de un encuentro erótico inesperado. La obra documenta la interacción entre una gran caracola de mar y una serpiente que pasea por sus curvas y cavidades. Como si se tratara de un pequeño encuentro amoroso, el zigzagueo del animal adentrándose con curiosidad en el caparazón invoca las múltiples formas de vida que habitaron aquella corteza calcárea creada por un molusco para asegurar su supervivencia en el océano. Esa sensación de resguardo y recogimiento aparece también en el díptico fotográfico Refugio (2022), el cual muestra la apertura de una caracola cobijando lo que parece ser una pequeña cola peluda y el cuerpo enrollado de una serpiente.
Los moldes de yeso –hechos principalmente a partir del cuerpo de la artista– despliegan mapas afectivos de su vida: moldes cóncavos de sus muslos, torso, caderas o piernas que transportan también las huellas del amor y del dolor, del paso del tiempo, de las transformaciones físicas que atraviesa un cuerpo inevitablemente perecedero. La artista busca abrazar lo inmenso desde lo pequeño, como si intentara volver a juntar sus propios pedazos a fin de organizar su cuerpo de otra manera. Hay allí una tensión irresuelta entre el deseo y el duelo que atraviesa toda la exposición. En otras piezas, la posición de esos fragmentos sugieren un desplazamiento entre la épica y la ruina, entre la idealización y la desidealización, como en Relumbre (2022), en donde un busto partido por la mitad es retratado erguido como la continuidad ascendente de una escalera.
La pieza principal del conjunto es Habitar (2022), un video en donde vemos los movimientos de una serpiente al interior de lo que luce como un espacio deshabitado. La cámara persigue al animal sin alcanzarlo del todo: nunca logramos ver su cabeza, tan solo su sinuoso desplazamiento entre agujeros y comisuras de los moldes en yeso que por momentos revelan las huellas de la dermis –los poros, las marcas, las cicatrices de la piel grabada en la superficie mineral. Los cascarones blancos modelados en base a la piel humana están en roce continuo con un reptil que en algún momento de su vida va a dejar atrás su propia piel. Ambas capas –la humana y la animal, la que se ha desprendido y la que se desprenderá– evocan emociones de renovación, cautiverio y muerte. No es casual que la imagen final del video sea un perturbador montículo en donde los fragmentos de cuerpo yacen apilados. “Lo inmenso y lo pequeño” es una indagación personal sobre lo que refulge y se apaga, lo que significa dejar ir y la presencia de un deseo sexual que no se contiene en los confines del cuerpo.
THE IMMENSE AND THE SMALLtext: Miguel A. López
(eng)
This solo exhibition by Katherinne Fiedler is a deeply personal and intimate statement. In recent years, the artist had devoted herself to exploring landscape and nature, as well as the social and political memory of geography. Using mainly video and photography, her works paid attention to the forms and textures of mineral residues, fossils, animal remains, and ceramics, among other objects, with which she staged the violent dynamics of intervention and extraction of natural resources, ecological changes, and power struggles associated with the process of inhabiting a territory. During this process, however, her gaze began to attend to the libidinal force that these objects carried. The exploration of the blurred boundaries between nature/ culture gave way to a recognition of the erotic energy present in feathers, neoprene, or furry or rough surfaces. A key piece in that process is Cuerpo (2019), where the artist reuses a thick rope used for many years for marine extraction activities, which she twists and coils until it is contained inside a transparent acrylic box. The stains on the fiber give the object a living dimension as if it were a snake camouflaging itself and wrapping itself around itself to avoid being discovered. The curvatures of the element carry a bodily sensuality that is difficult to explain, but which radiates its force like a magnet in space.
Four signs are the most recurrent in the exhibition: seashells, plaster casts, snakes -still or moving- and flowers. Their different forms of appearance through photographs, videos and sculptures suggest a story of seduction and loss. The artist engages in a dialogue with the history of painting and, in particular, with the vanitas genre, dedicated to constructing allegories about the transience of life and sensual pleasure. The objects she portrays display a complex symbolic repertoire, loaded with autobiographical references associated with desire, uncertainty and mourning. This is especially evident in the appearance of flowers whose meaning in the pictorial tradition of still life can refer to loyalty, love, nobility, devotion and melancholy. However, in Fiedler’s photographs, the flowers appear with mournful overtones, like the remains of a funeral arrangement. The artist observes the leaves and stems of these plant species as if they were open bodies, charged with an affliction that we can perceive, without fully understanding it. In another photograph, the artist removes the flower from the neutral background to hold it inside her own hand, constructing an image replete with sexually affirmative connotations.
In the video En algún lugar (2021), the seashell is the protagonist of an unexpected erotic encounter. The work documents the interaction between a large seashell and a snake that wanders through its curves and cavities. As if it were a small amorous encounter, the zigzagging of the animal curiously entering the shell invokes the multiple forms of life that inhabited that calcareous crust created by a mollusk to ensure its survival in the ocean. That sense of shelter and seclusion also appears in the photographic diptych Refugio (2022), which shows the opening of a conch shell sheltering what appears to be a small furry tail and the coiled body of a snake.
The plaster casts -made mainly from the artist’s body- display affective maps of her life: concave casts of her thighs, torso, hips or legs that also bear the traces of love and pain, of the passage of time, of the physical transformations that an inevitably perishable body undergoes. The artist seeks to embrace the immense from the small, as if she were trying to put her own pieces back together in order to organize her body in a different way. There is an unresolved tension between desire and mourning that runs through the entire exhibition. In other pieces, the position of those fragments suggests a displacement between epic and ruin, between idealization and de-idealization, as in Relumbre (2022), where a bust split in half is portrayed erect as the ascending continuity of a staircase.
The main piece of the show is Habitar (2022), a video in which we see the movements of a snake inside what looks like an uninhabited space. The camera pursues the animal without quite reaching it: we never manage to see its head, only its sinuous movement between holes and corners of the plaster casts that at times reveal the traces of the dermis - the pores, the marks, the scars of the skin engraved on the mineral surface. The white shells modeled after human skin are in continuous friction with a reptile that at some point in its life will leave its own skin behind. Both layers - the human and the animal, the one that has shed and the one that will shed - evoke emotions of renewal, captivity and death. It is no accident that the final image of the video is a disturbing mound where body fragments lie piled up. “The Immense and the Small” is a personal inquiry into what shines and fades, what it means to let go and the presence of a sexual desire that is not contained within the confines of the body
Four signs are the most recurrent in the exhibition: seashells, plaster casts, snakes -still or moving- and flowers. Their different forms of appearance through photographs, videos and sculptures suggest a story of seduction and loss. The artist engages in a dialogue with the history of painting and, in particular, with the vanitas genre, dedicated to constructing allegories about the transience of life and sensual pleasure. The objects she portrays display a complex symbolic repertoire, loaded with autobiographical references associated with desire, uncertainty and mourning. This is especially evident in the appearance of flowers whose meaning in the pictorial tradition of still life can refer to loyalty, love, nobility, devotion and melancholy. However, in Fiedler’s photographs, the flowers appear with mournful overtones, like the remains of a funeral arrangement. The artist observes the leaves and stems of these plant species as if they were open bodies, charged with an affliction that we can perceive, without fully understanding it. In another photograph, the artist removes the flower from the neutral background to hold it inside her own hand, constructing an image replete with sexually affirmative connotations.
In the video En algún lugar (2021), the seashell is the protagonist of an unexpected erotic encounter. The work documents the interaction between a large seashell and a snake that wanders through its curves and cavities. As if it were a small amorous encounter, the zigzagging of the animal curiously entering the shell invokes the multiple forms of life that inhabited that calcareous crust created by a mollusk to ensure its survival in the ocean. That sense of shelter and seclusion also appears in the photographic diptych Refugio (2022), which shows the opening of a conch shell sheltering what appears to be a small furry tail and the coiled body of a snake.
The plaster casts -made mainly from the artist’s body- display affective maps of her life: concave casts of her thighs, torso, hips or legs that also bear the traces of love and pain, of the passage of time, of the physical transformations that an inevitably perishable body undergoes. The artist seeks to embrace the immense from the small, as if she were trying to put her own pieces back together in order to organize her body in a different way. There is an unresolved tension between desire and mourning that runs through the entire exhibition. In other pieces, the position of those fragments suggests a displacement between epic and ruin, between idealization and de-idealization, as in Relumbre (2022), where a bust split in half is portrayed erect as the ascending continuity of a staircase.
The main piece of the show is Habitar (2022), a video in which we see the movements of a snake inside what looks like an uninhabited space. The camera pursues the animal without quite reaching it: we never manage to see its head, only its sinuous movement between holes and corners of the plaster casts that at times reveal the traces of the dermis - the pores, the marks, the scars of the skin engraved on the mineral surface. The white shells modeled after human skin are in continuous friction with a reptile that at some point in its life will leave its own skin behind. Both layers - the human and the animal, the one that has shed and the one that will shed - evoke emotions of renewal, captivity and death. It is no accident that the final image of the video is a disturbing mound where body fragments lie piled up. “The Immense and the Small” is a personal inquiry into what shines and fades, what it means to let go and the presence of a sexual desire that is not contained within the confines of the body